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MMAC is the art group by artists which main activities are Mixed Media performances and exhibitions. Every year it has a festival in Tokyo and art-camp in Aizu. We are connected with foreign art groups.
MMAC はアーティストが主体的に運営する、ミクスト・メディア系パフォーマンスやエキジビションを中心として活動してます。毎年東京ではフェスティバルと会津ではアートキャンプを実施、海外のアートグループとの協力体制も確立しています。
CONCEPT/活動理念
ＭＭＡＣはミックスト・メディアをひとつのキー概念として展開してきました。一番底辺のレベルでいえば、さまざまな表現ジャンルのアーティストの集まりであり、高いレベルでいえば、異ジャンル間のコラボレーションの可能性を追求する集団ということになります。さらに、同傾向グループの国際交流も積極的に展開中です。
この間の活動で、一定程度所期の目的は達成し得たところもあり、また類似のイベントも多く見られるようになってきています。ＭＭＡＣには次のステップのためにもう少し的を絞った活動理念が求められてきています。パフォーマンスを含むさまざまなジャンルの国際フェスティバルは実行出来るようになりましたが、異ジャンル間のコラボレーションの成果については十分な手応えを得ていないのも確かです。以前のシンポジウムでもミックスト・メディアのコラボレーションが単なるジャンルの寄せ集めではないはずだ、ということが既に指摘されており、逆に「個別ジャンルへのこだわり」の重要さも指摘されています。「個」を掘り下げつつ、メディアをミックスしていく必然性が認められるようなコラボレーション作品を構想する、Ｖ字式関わりが求められています。
ここでいうＶ字式関わりとは、Vという文字の形態のように、「個別世界あるいは個別ジャンル」が一種のクサビとして存在を掘り刻みつつ、一方で「他者世界や他ジャンルへ」の関心を高め関与を広げていくことの中で、自然にコラボレーションの空気を醸成していくというものです。あるいは逆に、コラボレーションという視野から、「個別世界あるいは個別ジャンル」のあり方を注目していくということもあり得るでしょう。実際に質の高いコラボレーション作品が生み出されるかどうかはともかくとして、MMACの活動にはこうした共通理念の色が顕われて然るべきと思います。
さらにもう一つ、理念に関わるものとして、コンテンポラリー・アートを担う中でどういう表現世界、問題意識を共有し、方向を特定化するかという議論も必要なのかもしれません。しかしこれは正面から展開するのではなく、Ｖ字式関わりを意識的に進めることの中で、結果として方向が見出だし得るのではないかと考えます。
進化のための深化―MMACの歩みー
MMAC（Mixed Media Art Communications）という名前の由来は、これからフランスのアーティスト・グループと交流を開始しようと折衝している中で、彼等が私たち日本人アーティスト・グループの活動に興味を覚え、その特徴を「ミックスト・メディア・アートのグループ」という言葉で記述してきたことに端を発している。パフォーマンス・アート、ダンス、美術、音楽、映像などジャンルを横断して活動するグループは、海外でも数少ないのである。4文字目にコミュニケーションズという言葉を付け加えたのは、私たちのメンバーの中にこれからは「同時代アートを通じた国際コミュニケーションが大切だ」と考える人が多かったからだと記憶している。その意味では、私たちがやってきたこと、あるいはやろうとしていたことに対して、たまたま外側から見た適当な表現が与えられ、それに乗って成立したもので、基本的名づけ親はフランス人アーティストであることを公言しておこう。
今思えば、国際交流の予算やノウハウもないまま、いきなり12名のフランス人アーティストを招待してしまったのは暴挙に近いことだったのかもしれない。早いものでそれから10年の歳月が過ぎようとしている。1983年から1984年に掛けてフランスのアーティスト・グループと連絡を始めた頃の手段は、手紙であり、FAXであった。今日のような、ｅメイルにいろいろなメディアを添付してのやり取りなどができるようになろうとは当時は想像もできなかった。電子メディアのこの10年の進歩は実に目覚しいものであった。それに対して、私たちのミックスト・メディアのアート活動は遅遅としていたといえるであろう。あるいは、どこかで遅々とした歩みをよしとしていたのかもしれない。
ＭＭＡＣでは２つの鍵概念を重視してきた。一つは、「異ジャンル間のコラボレーション」である。10年前の当時、それが一つの流行の走りとして、また心地よい響きとしてコラボレーションという言葉が表層的に受け入れられていたこともあって、私たち自身が深く掘り下げて考えていなかったところがあったことを告白しておかなければならない。初めはいろいろ新鮮でそれ自身刺激的であったりするが、継続してみるとコラボレーションが意外に難問であることが分かってきたのである。私たちの活動経過の中で、単なるコラボレーションのためのコラボレーションは批判を浴びるようになり、むしろ個別のメディアへのこだわりやコラボレーションの必然性というような方向へ議論を深めていくことになってきている。このことが遅遅としてという形容表現に関わっている。どこかへ進むというよりは、自らの立っている場所を掘り下げたり、再確認するという作業が余儀なくされている。
もう一つは「パフォーマンス」概念を重視してきたことである。これは、ＭＭＡＣが会津地域で継続的に行われてきたパフォーマンス・フェスティバル（こちらは20回目を迎える）に協力してきたこともあって、理念を共有化してきたからである。ここでの「パフォーマンス」概念は、狭い意味でのジャンルとしてのパフォーマンス・アートそのものではなく、むしろ新しい表現の地平を切り拓こうとする考え方の枠組み、すなわちパラダイムに関連している。たとえば、かってアラン・カプローの＜ハプニング＞という概念やフルクサスの＜イベント＞という概念がジャンルを横断して刺激的な意味を持ちえたように、＜パフォーマンス＞についても、ジャンルを横断するような刺激的な考え方の枠組みが認められる。たとえば、フィクショナルなものとリアルなものを意識しながら双方への距離を意図的にとっていくという考え方などもその中心的なものの一つとして指摘できよう。＜ハプニング＞はリアルなものを突然フィクショナルな空間に差し挟もうとし、＜イベント＞は逆にフィクショナルなものもリアルな世界に組み込んでしまおうとしたが、＜パフォーマンス＞はそうした考えや実践を踏まえて、より成熟した視点に立った戦略性をもちえているのではないかと考えている。そうした考え方に関連して、生活者としての身体と表現者としての身体の重なりという捉え方、すべてをコントロール下において表現するのではなく環境や自然に開かれた表現のあり方、というようなことが課題にされてきたのではないかと考える。ＭＭＡＣでも、これらの課題は意識されていたが、ＭＭＡＣ全体としてどこかへ向かって歩み出したということではなく、コラボレーションの問題と同じように、遅遅として進まずとも個別に表現者のレベルでは深化されるものがあったのではないかと思っている。進化するためには深化が必要なのであろう。
MMACはフランスのアーティスト・グループとの交流を契機に、アート・フェスティバル間の国際ネットワーク組織PAN（Performance/Performing Art Network）の設立メンバーとして参画し、国際交流を展開してきた。国際交流を通して、コラボレーションに対する取り組みや「パフォーマンス」概念の相違などが明らかになってきた面があり、私たちの活動を相対的にまた客観的に見ることもできるようになった。私たちは、アイデンティティやオリジナリティを一層意識させられるようになったことに加え、国際的な普遍性ということにも思考が及ぶようになってきた。このことは素直に収穫であったと思う。現在のところ正規のPANパートナーはC.R.A.N.E.（フランス）、AAA（カナダ）、INNER SPACE（ポーランド）、CROSSING TIME（イギリス）であるが、さらに他国のアーティスト・グループとの折衝が進んでいる。
最後になりましたがMMACの10年間の歩みをまとめるにあたり、活動を支えてくれたアーティスト、スタッフ、関係者およびPANパートナーに心から感謝いたします。ここでのまとめが単に活動の記録を収めるということに留まらず、次へつなぐ節となることを期待して筆を置きます。
２００３年５月２日
MMAC代表 星野 共
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In order to evolve we need to excavate
--Development of MMAC (Mixed Media Art Communications)--
The origin of the name "MMAC " (Mixed Media Art Communications) comes from the time when we negotiated an artistic collaboration with a French artist group. They were interested in our artistic activities in Japan and in our correspondence, referred to us as "mixed media art group." There were very few interdisciplinary "hybrid" performance groups in the world back then whose activities embraced multiple media from performance art, dance, visual art, music and video images. The reason why we added "Communications", the fourth letter in the name, was I recall, because many artists in our group felt in the future simultaneous artistic and international communications will be vital. In other words, I must mention, what we have done or what we have attempted to do was given an appropriate definition externally by somebody else, and therefore we have followed accordingly, in this case, by French artists who have given us a name.
As I think back now, it was somewhat venturesome to invite twelve French artists all at once to Japan without any experience or knowledge of financing a cultural exchange. Ten years have already passed since then. From 1983 to 1984, the communication method was only by mails and fax. Back then, it was inconceivable to digitally communicate each other by simply attaching all sorts of medium to e-mail. The advancement of digital information technology has been truly astonishing. On the contrary, our artistic activities in mixed media have been quite slow. In some ways, we have felt agreeable with our slowness.
In MMAC, we have always valued two essential principles. The first one is "collaboration among different medium." Ten years ago, the word "collaboration" was superficially embraced among the artists. It was the beginning of an artistic trend and the word "collaboration" resonated in our ears pleasantly. Therefore, I must say, the artists did not investigate the collaboration deeply. At first, it was stimulating and curious by itself, but as collaboration continued, artists started realizing surprisingly how difficult collaboration is. In our artistic process, the collaboration for the sake of collaboration started getting criticized, and the dialogue started shifting towards focusing on an individual medium and questioning the significance of collaboration. This learning experience is related to"our slowness." The artists could not help excavating where they are standing for the sake of their rediscovery, rather than, moving forward to somewhere else.
The second principle is the concept of "performance". This is because MMAC has been participating a performance festival in Aizu region in Japan which has been held consecutively over 20 years. Through this festival we have always shared a common idea: that the concept of ”performance” is not limited to performance art as a specific category. It is more like a paradigm in which we try to expand the way to express ourselves. For example, in the past, a concept innovated by Alan Caplo called Happening and called Event by Fluxus, introduced stimulating perspectives which were influential across multiple genre. Similarly performance could also be an engaging system of conceptual categorization across multiple genre. For instance, a perspective in which the distance between fiction and real is consciously manipulated is one of the essential innovation. In Happenings the element of the ”real” is suddenly inserted into the fictional environment. Events, on the contrary, attempted to include ”fictional” elements into the real world.
Performance, with its preconscious notions of previous perspectives and experiments, potentially embodies more mature strategies. In relationship to such development, we are now challenged to face new tasks from multiple perspectives: exploring a body that is simultaneously represented by both pedestrian and performer, who instead of controlling everything, opens himself up organically to his environment. In MMAC, these new tasks have been acknowledged among the artists yet we rather could not advance to somewhere else, instead, we, as a group, tried to deepen our personal expression. Similar to the case of collaboration, we moved very slowly again. I suppose, in order for us to evolve we needed to continute our self excavations.
Inspired by our interaction with the French artist group, MMAC has joined as a founding member of Performance/Performing Art Network [PAN] an organization known for international cultural exchange and development. Through this intercultural experience we have discovered the difference in how we perceive collaboration as well as how we conceptualize ”performance”. It taught us how to look at our artistic activities objectively and relatively. In addition we were encouraged to become conscious of our identity and originality, plus we were able to expand our perception towards global universality. In retrospect it was honestly a fruitful learning experience. Currently the official partnership in PAN includes: C.R.A.N.E. (France), AAA (Canada), INNER SPACE (Poland) and CROSSING TIME (England). We continue to look for the participation of other countrys artist groups.
In the end, I would like to express my deepest gratitude for all the artists, staff, and participants of PAN. Here I would like to put down my pen hoping this record of activities will not only summarize our past, but also direct us towards the future.
May 2, 2003
Representative of MMAC
Kyo Hoshino
パフォーマンスにおける時間の概念
星野 共
海外とのパフォーマンスの交流が活発になるにつれ、日本的パフォーマンス、つまり特殊日本的なパフォーマンスの状況がよく見えてくるようになった。たとえば米国、カナダなどでは、コンセプチャルな、短時間の小気味よいパフォーマンスが主流である。パフォーマンスというひとつの表現形式、いわゆるジャンルが、おおむね確立されているようにさえ見える。それに対し、日本ではダンス、舞踏、演劇などパフォーミング・アーツ系のアーティストたちが、美術、音楽、映像などのアーティスト たちと一緒になって、パフォーマンス活動を展開している。それがパフォーミング・アーツに傾けばスペクタクルではないかといわれることもあるし、コラボレーション重視になればインターベンションではないかともいわれたりもする。要は、表現形式としてのパフォーマンスにあまりこだわらないところに日本的パフォーマンスの特徴がみられる。もちろん、パフォーマンスを狭い意味のパフォーマンス・アートとしてこだわるアーティストたちも存在するが、数は少数である。それでは日本的パフォーマンスがまったくいい加減なものかというと、必ずしもそうではない。やはりどこかで一体性を保ち得ているように思う。なぜかといえば、表現の形式としてではなく、一種のパラダイムとして "パフォーマンス" が機能している現実があるからである。たとえば、かって諸ジャンルを横断して表現に活力を与えた "ハプニング" を、単なる表現の一形式とはとらえないように、"パフォーマンス" も 諸ジャンルを横断して表現に活力を与えるような働きを持っている。 大括りでは新しい表現の可能性を切り開く自由で実験的な表現という枠組みの中に組み入れられるが、私自身はもう少し絞って、「フィクションと現実的なものとの二重性を強く意識した表現」というパラダイムフレームを考えている。かっての"ハプニング"はフィクション空間にリアルなものを持ち込もうとし、そしてフルクサスの"イベント"はフィクションとの境界線を取り払いフィクションを現実生活の中に溶かし込んでしまおうとした。しかしそれに対して、"パフォーマンス" はフィクションや 現実的なものへの距離を意図的に測りながらより熟度を増した〈メタ表現〉としての特質を持ち合わせているのではなかろうか。そのような特質を意識的に活かしていくならば、"パフォーマンス" には、リアリティを持ち合わせたより豊かな表現を導く可能性があると考えている。そして、日本的パフォーマンスにもまだまだ発掘すべき地下鉱脈が残っているように思えるのである。
さて、このような日本的パフォーマンスの特徴、パフォーミング・アーツ系のアーティストたちも参入し単なる一表現ジャンルとしての "パフォーマンス" に収れんしないあり方は、時間に対する考え方にも自ずと幅を生じさせいる。しかも、私が主張するような「フィクションと現実的なものとの二重性を強く意識した表現」というようなフレームを視野に入れると、話はかなり混み入ってくる。たとえば、やはり日本的ダンスとして知られている "舞踏" について考えてみると、フィクション世界の表現に自分の身体をすべて預けてしまうのではなく、現実の生身の身体をその場に開いた時に充電してくる身体感覚を大切にしている。いうなれば、そのとき身体には二重に時間が流れている。一方では現実と地続きの時間があり、また一方ではフィクション世界に滑り込んでいく時間がある。そういえば、あるとき舞踏の大御所、大野一雄が稽古場で言っていた言葉を思い出す。「眼は前方をぼやーっと見る感じで動いて下さい。」それは、半分は現実世界を見て、半分はフィクション世界を見ているという舞踏の身体のあり方そのものを示唆している。そしてそれは、二つの時間の流れをゆるやかに統合していく身体のことでもある。
近代合理精神はものごとを分化しては、コントロールの対象としてきた。モダンダンスにおいても、身体をコントロールの対象とし、コントロールできればできるほど良しとされてきた風潮がある。あらかじめ意図した内容を、無駄なく効率的に伝えるために、身体を分節化し記号化しようとする傾向が強く働く。舞踏においては、先ほどの二重性ということからも推察できるように、コントロールする側とコントロールされる側とに明確に区分したり、コントロールする側がコントロールされる側を一方的に制御したりしようとはしない。何かを感じている自分の身体をもう一つの自分自身が意識している、あるいは自分が描いたあるイメージに身体を預けて動いてみて、さらにそのイメージに没入できる何かを身体が感じ取ったり、逆にそのイメージから覚醒していく何かを身体が感じ取ったり、相互作用を受け入れ二つの時間のバランスをとりながら表現していく。このような方法は、ものごとがどこかで関連を持って繋がっているとする東洋的な思考法と親和性があるともいえようが、やはりモダンに対峙する意図的な試みとみなしたい。
もうひとつの日本的パフォーマンスの時間を特徴づけているものは、部分的に舞踏とも重なり合うところもあるが、好んで即興を取り入れてきたことであろう。この場合にはあらかじめ想定したフィクション世界は持ち込まず、現場の状況や環境を身体に取り入れながら、主に感性を頼りに、ときに無意識の領域に降りて表現する方法をとる。音楽、ダンス、そしてそれらのコラボレーションという形で行なわれることが多い。ラスコーの壁画に芸術の起源を見たジョルジュ・バタイユは、「道具を手にし動物性を捨てていった人間が、落下することで動物をして語らしめている」といっているが、即興にはそうした側面が含まれていると思う。そしてこの場合も、感性を揺さぶるようなゆるやかな時間を必要としている。
日本的パフォーマンスがすべて均質とは思わないし、ましてや舞踏や即興表現を批判的に超えていこうとする人々もいる。しかし、そうした舞踏を含むパフォーミング・アーツ系や即興派のアーティストの時間概念が、一定パフォーマンス・シーンに影響を与えてきたことは否定できない事実であろう。パフォーマーと観客の間に、伝えようとする概念を正確に効率よく表現する方法は他にありうるであろうが、概念を伝えるための単なる記号に従属してしまう身体をいさぎよしとはしなかったし、観客ともゆるやかな時間を共有しながらリアリティのある表現を模索してきたといえよう。
The Concept on Time in Japanese Performances
Kyo Hoshino
As the international exchange of <performance>presentations becomes active, the Japanese-style performances, or the performances peculiar to the Japanese artists come into view. In the U. S. or Canada, conceptual, brief and jaunty performances are main currents; it can be said that a way of expression of performance as one genre has been established. In contrast to that, the artists of Japanese-style performances in the genre of dance, butoh and drama, develop their performance activities together with the artists in the genre of fine arts, music and image. If they tend toward performing arts, they are sometimes said to be spectacles; if they focus on collaboration, they interventions. In short, the Japanese-style performances are characterized by not sticking to one way of expression. Of course some artists persist in regarding performance as performance arts in a narrow sense, but the number of them is limited. But not that the Japanese performances are unsettled. In some ways they are consistent, because their ﾒperformanceﾓ functions not as a way of expression, but as a paradigm. The ﾒhappeningsﾓ, which gave vitality to the expression of almost all genres of arts, are not regarded as just a way of expression. The same thing can be said about performances. It is true that they could be put in the wide category of one free and experimental expression open to a new unknown expression, but I would like to reduce them into the paradigmatic frame of ﾒexpression in which we find strong consciousness of duality of reality and fictionﾓ. Once the ﾒhappeningsﾓ tried to bring realities into fictitious space, and the ﾒeventsﾓ established by FLUXUS tried to get rid of the border between fiction and reality, dissolving fiction into real lives. In opposition to that, the performances might be said to have the characteristics of mature ﾒmeta-expressionﾓ, intentionally detaching themselves from both fiction and reality. If we develop the characteristics, we can add richer expression with realistic elements to the ﾒperformanceﾓ. It seems that in the Japanese-style performances a vein of ore remains to be struck.
The Japanese-style performances, which are characterized in that the artists of performing arts participate in them and that they are not converged on one way of expression of performance, give latitude to the concept of time. I said above about the paradigmatic frame of ﾒexpression in which we find strong consciousness of duality of reality and fiction.ﾓ But if we take such a viewpoint into consideration, the story will be confusing. We will take butoh as an example, which is generally regarded as a Japanese-style dance. It does not insist that we should devote our whole body to the expression of a fictitious world. It respects so-called body sense which has been fostered as the body itself is revealed on the spot. At the time the time passes doubly. On one hand, the time is connected with reality, and on the other hand, the time streams into a fictitious world. I remember Mr. Kazuo Ono, a doyen of butoh, said during the practice, ﾒPlease move with your eyes blurring and turning forward.ﾓ His words suggest the concept of a body in butoh, in which it is toward both reality and a fictitious world at the same time. And that body is the one which loosely unites the two kinds of currents of time.
On the base of modern rational spirit we think things can be divided and controlled. In modern dance the body is also the object of control. We are apt to think that the more it is controlled, the better. We tend to divide and encode our body so that we can express what we want to usefully and efficiently with it. In the concept of butoh, however, things are not divided between the controlling side and the controlled side, or the controlling side does not overwhelm the controlled side. We are conscious of our own body being aware of something. Or we place our body in the image of our own making, making our body sense something which awakes from the image or something which is immersed into the image. In such a way we express ourselves, using this interaction and balancing the two kinds of time. It could be said that such a way of thinking is based on the Oriental thought respecting affinity, that things are united and connected somewhere. But I would like to regard it as an intentional attempt in opposition to modern thought
Another characteristic of the Japanese-style performances is, though it is partly the case with butoh, is that they are willing to adopt improvising. In this case they do not bring in an established fictitious world. They bring the situation and environment on the spot into their body expression, usually dependent on sensibility and sometimes on unconsciousness. They are usually played in collaboration with music and dance. George Bataille, who traces the origin of art back to Lascaux wall painting, said, ﾒA man, who got tools and has gradually been throwing his animality away, makes his animality speak through falling.ﾓ I think that improvising contains this conception. And it also needs moderate time current that shakes sensibility.
The Japanese-style performances are not all the same type. On the contrary, some artists try to criticize and transcend butoh or. improvising. But it cannot be denied that the time concept of the artists of performing arts or improvisers have had great effects on the scenes of performances. Performance players may have other ways of expression in which to transmit their concept to the audience exactly and efficiently, but they could not accept the degeneration of the body which is encoded to transmit the concept. They aim at a realistic way of expression in which they can share the moderate time current with their audience.